Las artes juegan un papel importante en la formación de la cultura humana. Como se explora en la parte I de esta serie, las artes visuales tienen el poder de transmitir mensajes claros al espectador e influir en nuestro estado de ánimo y, por lo tanto, en nuestro comportamiento moral.
Por eso, el papel principal del arte clásico, desde la antigüedad, fue representar la bondad y la belleza. El arte tradicional tenía la moralidad y la virtud en su núcleo, lo que requería que los artistas no solo tuvieran las habilidades para representar con precisión temas nobles, sino que ellos mismos encarnaran tales virtudes. El trabajo que reflejaba el carácter íntegro de un artista podía realmente tocar e inspirar el alma del espectador.
Si bien las artes escénicas comparten el mismo propósito que las artes visuales, el público es testigo directo de su creación artística. Con poco margen para corregir errores, la formación de los artistas intérpretes o ejecutantes puede ser realmente agotadora.
Las artes escénicas y el cultivo de la virtud
Según el erudito y filósofo confuciano Mencio, una persona prospera durante las dificultades y perece en la comodidad, lo que significa que los grandes desafíos producen los frutos más dulces. La formación rigurosa sirvió como una buena oportunidad para que los artistas cultivaran su carácter, razón por la cual las artes escénicas eran tan apreciadas en la antigüedad.
Dado que dominar las complejidades de la buena música y la danza solo se puede lograr mediante la práctica constante; la autodisciplina se cultivó junto con la resistencia y la resiliencia.
Ballet: danza clásica occidental
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En Occidente, el ballet surgió como la principal forma de danza clásica. Durante el Renacimiento italiano, hace varios siglos, los hombres y mujeres nobles fueron invitados a elaborar espectáculos de danza y música. Las actuaciones exhibieron técnicas de danza codificadas y virtuosas que, acompañadas de vestuario ornamentado, música y poesía, buscaban impresionar a los espectadores y promover las artes. Así nació el Ballet de cour o “ballet de corte”.
Fue el rey Luis XIV de Francia, bailarín aficionado, quien contribuyó a popularizar y normalizar el ballet. Al darse cuenta de que el ballet de su propia corte se estaba corrompiendo con el tiempo, fundó en 1661 la Real Academia de Danza, la primera institución de danza establecida en Occidente.
Con el objetivo de restaurar “el arte de bailar a su perfección original y [mejorarlo] tanto como sea posible”, como se establece en las cartas de patente de fundación de la Academia, el rey Luis XIV y sus nuevos maestros de baile llevaron el ballet a mayores alturas, convirtiendo en una forma de arte refinada que requería entrenamiento profesional.
Los bailarines entrenados en la academia rápidamente superaron a los cortesanos no profesionales en habilidades técnicas, y el ballet pasó de las canchas al escenario. El arte fue cuidadosamente supervisado por miembros de la Real Academia, quienes mantuvieron estrictos requisitos estéticos. Cualquier nueva forma de danza en Francia tenía que ser revisada y aprobada por la Academia antes de que pudiera representarse.
En los siglos siguientes, el ballet se extendió y siguió desarrollándose en otros países como Dinamarca y Rusia. Tradicionalmente interpretada con música clásica, esta refinada danza ha ejercido una gran influencia en el mundo occidental, sentando las bases técnicas para otros géneros y culturas de danza.
Danza clásica china: una antigua joya de Oriente
Junto con el ballet, la danza clásica china es una de las formas de danza más completas conocidas por la humanidad. Igualmente hermoso, refinado y exigente, este tesoro cultural tiene sus raíces en cinco milenios de civilización china.
La danza clásica china fue otorgada por primera vez por la divinidad para ayudar a los antiguos chinos en los esfuerzos cotidianos, como cultivar la tierra y planificar formaciones de batalla. Más tarde se introdujo en las cortes y templos imperiales, donde se convirtió en un componente indispensable de las celebraciones y rituales. Este arte culto se enriqueció con tradiciones populares y evolucionó hasta convertirse en la forma de arte refinada y expresiva que es hoy.
Mientras que el ballet enfatiza la simetría y la perfección, la danza clásica china enfatiza el significado interno. Además de dominar las formas y técnicas de la danza, los bailarines chinos clásicos deben desarrollar su porte interior, conocido como Yùn (韻).
Dado que la danza clásica china está estrechamente relacionada con la respiración y el estado mental del bailarín, transmitiendo así los sentimientos detrás de cada movimiento, las demandas de los bailarines trascienden el plano físico, lo que hace que el cultivo del carácter sea un requisito previo para un arte verdaderamente hermoso.
La danza occidental se aparta de la tradición
Fue en el siglo XX cuando nació en Occidente la danza expresionista, también conocida como danza libre. Así como la pintura modernista rechazó el autocontrol y la prudencia que había caracterizado a las artes visuales desde la antigüedad, la danza expresionista rechazó las limitaciones y altas exigencias del ballet, etiquetándolo como austero y mecánico.
Descartando el virtuosismo como tema de la vieja sociedad, la danza libre promovió la liberación en espíritu y emoción. Una de sus principales precursoras, Isadora Duncan fue la primera bailarina en abogar por la «mujer del futuro», afirmando que la danza debería seguir la idea de Nietzsche de «mente suprema en mente libre». El resultado fue una forma de baile improvisada, desinhibida y provocativa que generalmente colocaba a las mujeres en el centro del escenario.
La danza libre desarrolló sus propias teorías de movimiento y métodos de instrucción, sentando las bases de la danza moderna. Este giro radical fue particularmente notorio en los EE. UU. y en Alemania, donde la ausencia de tradiciones de ballet sentó las bases para la danza experimental y el surgimiento de nuevas formas de danza.
En cuanto al ballet, su forma clásica más pura fue distorsionada más allá del reconocimiento. Apareció el ballet neoclásico, que enfatizaba la velocidad y la libertad de movimiento mientras adoptaba un enfoque abstracto, sin una trama, vestuario o escenario claros. Su precursor, el coreógrafo de ballet George Balanchine, fue influenciado por Pablo Picasso, el precursor de la representación deformada en las artes visuales.
Posteriormente, el ballet moderno surgió como una rama del neoclasicismo. Centrándose en el atletismo, favoreció los movimientos físicamente atrevidos que, acompañados de música cargada de emociones, pretendían representar temas intensos. Con esto, el ideal tradicional de delicadeza en los bailarines de ballet se fue abandonando paulatinamente, descartando el papel del ballet en el cultivo de la modestia y el decoro del artista.
Nace entonces el ballet contemporáneo, integrando elementos clásicos y modernos. Aunque conserva la técnica tradicional de las puntas, permite un mayor movimiento de la parte superior del cuerpo y favorece los movimientos que demuestran la flexibilidad del cuerpo. También ha adoptado técnicas del siglo XX como el trabajo de suelo, una técnica de danza que realiza movimientos en el suelo, como es común en estilos de danza modernos como el breakdance y la técnica Graham.
Se siguen inventando nuevas variedades en un esfuerzo por adaptarse a más gustos y preferencias. “Hiplet”, por ejemplo, es un estilo de baile recientemente reconocido que fusiona el ballet y el hip hop.
Si bien las tendencias modernas pueden parecer progresivas, haríamos bien en considerar lo que se ha perdido en el proceso.
Detrás de las formas rigurosamente definidas que caracterizaban al ballet tradicional estaba el ideal de belleza establecido por la estética clásica. Siguiendo las normas de la proporción, la emoción contenida, la claridad de la estructura y la búsqueda de la perfección que destacaban en las artes de la antigua Grecia y Roma, el ballet clásico compartía el mismo propósito que todas las demás formas de arte desde la antigüedad: retratar la belleza y la bondad para que la humanidad las defendiera.
Estas nobles aspiraciones llevarían naturalmente a los bailarines a cultivar virtudes como la elegancia, la modestia y la gracia, elevando así sus habilidades y técnicas de la categoría de actividad física a la de las artes.
Como resultado del abandono de tan nobles ideales, manifestados hoy como la indulgencia en la emoción, el predominio de lo físico y el rechazo de la estructura; muchos ballets ahora se parecen más al entretenimiento atlético que al arte.
Danza clásica china al borde de la extinción
Como una forma de arte con miles de años de historia, la danza clásica china se transmitió de generación en generación, y muchos de sus elementos se conservaron a través de las artes marciales. Aunque esta danza culturalmente rica sobrevivió al auge y la caída de numerosas dinastías y los cambios políticos sustanciales que tuvieron lugar en la China del siglo XX, su preservación estuvo gravemente amenazada durante y después de la Revolución Cultural.
Como elemento de la cultura tradicional china, la danza clásica china también se vio afectada por la campaña de Mao Zedong para purgar la tradición. En su esfuerzo por destruir lo que los Guardias Rojos llamaban las Cuatro Viejas (Ideas Antiguas, Cultura Antigua, Costumbres Antiguas y Hábitos Antiguos), se suprimieron las creencias tradicionales, se destruyeron los tesoros culturales y se distorsionaron las costumbres para adaptarlas a la ideología del Partido Comunista.
No solo se despojó a la danza clásica china de sus elementos virtuosos y su conexión con lo divino, sino que también se modificó para incluir elementos de la danza moderna. Después de la apertura de China a Occidente, guiada por el entonces líder comunista Deng Xiaoping, la danza china comenzó a presentarse al mundo exterior a través de compañías de danza que actuaban en el extranjero. Lo que se presentó, sin embargo, fue una combinación de danza china alterada con danza moderna y contemporánea, ballet y jazz.
Se hizo creer a la audiencia que se trataba de danza clásica china, mientras que su verdadera esencia había caído en el olvido tanto en el país como en el extranjero.
Efectos del arte degenerado
Para apreciar verdaderamente la importancia del arte clásico, es necesario comprender cómo el arte desviado afecta la moralidad.
La música es un caso revelador. Según el Departamento de Justicia de EE. UU., existe una creciente evidencia de un vínculo entre la música agresiva y el comportamiento delictivo. La Asociación Nacional de Jefes de Policía (NACP) señaló que las letras y los sonidos estridentes de la música rap a menudo promueven la hostilidad hacia los agentes de policía y alientan la violencia basada en las tensiones raciales.
Un estudio publicado en la Biblioteca Nacional de Medicina proporcionó más detalles sobre el impacto de la música, particularmente entre los jóvenes. Los datos mostraron que el 72% de los participantes creía que la música influía en su estado emocional al menos una parte del tiempo, y el 4% de ellos vinculaba directamente sus patrones de escuchar música con su conducta desviada.
Un estudio de 2017 realizado por un estudiante de doctorado de la Universidad de California descubrió que la música con temática de infidelidad ejerce una influencia significativa en la respuesta social y la cognición relacionadas con el tema, y que los oyentes se ven afectados negativamente por el tono emocional indiferente utilizado para representar la infidelidad en la mayoría de las canciones de hip-hop.
Sin embargo, nuestros antepasados conocían bien la influencia de la música en la conducta y el comportamiento humanos. La música era uno de los pilares de la cultura tradicional china y Confucio la recomendaba como la mejor manera de promover la bondad.
En la antigua China, se creía que los tonos armoniosos nutrían la mente y elevaban el espíritu, lo que conducía a un comportamiento recto. Por el contrario, la música indulgente y frívola podría conducir a una falta de autocontrol y a un comportamiento malsano. Teniendo esto en cuenta, no es difícil imaginar que la moral en declive actual está estrechamente relacionada con nuestras artes y entretenimiento.
El renacimiento de la gloriosa cultura oriental y occidental
Para la buena fortuna de chinos y no chinos por igual, un grupo de artistas clásicos chinos se reunió en Nueva York en 2006 con una misión clara: revivir la cultura tradicional divinamente inspirada de la antigua China. Así nació Shen Yun Performing Arts.
Desde entonces, esta empresa con sede en Nueva York ha estado dando vida al patrimonio cultural dejado por cinco milenios de civilización china para compartir con el mundo. Sus presentaciones anuales presentan danza clásica china en su forma más pura acompañada por una orquesta en vivo que integra armoniosamente melodías tradicionales orientales con una poderosa orquestación occidental. También revive una antigua tradición de canto conocida como bel canto que se ha perdido hace mucho tiempo tanto en Oriente como en Occidente.
Es destacable el papel que ha jugado este grupo de artistas en el rescate del arte clásico y tradicional al borde de la extinción. Su trabajo recupera la verdadera esencia de las artes, mostrando la belleza que el cuerpo humano es capaz de expresar a través de los movimientos de la danza, el poder conmovedor de las melodías tocadas en una sincronía fascinante, la potencia de una voz dulce pero exhaustivamente entrenada que llena todos los rincones. del teatro, y la bondad que un artista es capaz de reflejar a través del cultivo de su carácter.
Al revivir las tradiciones orientales y occidentales, Shen Yun ha ayudado a millones de personas a redescubrir el esplendor casi perdido que la humanidad mantuvo en la antigüedad. Con un mensaje que trasciende todas las razas, Shen Yun le recuerda a la humanidad la verdadera esencia del arte y su estrecha conexión con lo divino.
Haga clic aquí para la Parte I de esta serie: Estética y virtud en las artes clásicas, Parte I – Visual
